Musicalmente hablando…

Por: Magdalena Bombig

Este pequeño post va dedicado a una de mis series favoritas de la actualidad, Skins . Este éxito inglés, que va camino a su quinta temporada, supo crear un vínculo especial con el televidente mediante la conexión que se puede ver entre los personajes, de la primera y la segunda generación, junto con la música. Cada canción, sea del género que sea, se relaciona con las adversidades (drogas, homoxesualidad, muerte, transtornos alimenticios, etc) que este grupo de adolescentes tienen que afrontar día a día.


En momentos de gran relevancia a veces no son necesarios largos diálogos ni distintas tomas, con un tema que sepa reflejar la situación y los sentimientos de los protagonístas alcanza, y en este suceso televisivo esto se convirtió en una constumbre, en algo característico.
La música además de deleitarnos, entretenernos, contarnos historias y  acompañarnos en incontables momentos de nuestras vidas, nos ayuda a entender y apreciar situaciones, emociones y sentimientos que extraños buscan expresar, y creo que el que tenga la oportunidad de ver y disfrutar Skins va a poder descubrir esto.


Acá les dejo el video de una de las tantas canciones participes de la serie, pero me quedo con esta por el significado que tiene dentro de ella, pricipalmente en la primer temporada.

The Who: la nueva generación

Por: Magdalena Bombig

Una de las bandas más influyentes del rock. Con su particular estilo hicieron gritar a una generación reprimida y menospreciada. Si digo que The Who fue y seguirá siendo uno de los mejores grupos ingleses de todos los tiempos, creo que pocos van a estar en desacuerdo.  Con la poderosa voz de Roger Daltrey, el enérgico bajo de John Entwistle, los rasposos acordes y las innovadoras composiciones de Pete Townshend, mas la personalidad rebelde y estrepitosa de Keith Moon en la batería, crearon un conjunto de talentos que no se asustó de nada ni nadie.

The Who le dio al rock una actitud más escandalosa y una adrenalina nunca antes vista. Una de las primeras bandas en duplicar los compases de la guitarra para crear un nuevo sonido. En la canción My Generation volcaron toda su frustración y disconformidad hacia una sociedad dormida y conformista,  y lograron hacerse escuchar por una gran ola hippie que invadía la época en busca de paz y el amor.

Pero la banda se encontraba lejos de la ideología pacifista que irrumpía en los ’60. Se identificaron por ser muy destructivos en sus conciertos, el pionero fue Townshend con su guitarra, enseguida se le unieron Moon, destruyendo su batería, y Daltrey emitiendo una actitud de descontrol;  mientras que Entwistle se quedaba a un lado con su bajo sin participar.

Más adelante, el grupo incursionó en un nuevo estilo musical muy poco conocido llamado ópera rock. Este consistía en relatar una historia a través de todo el disco. Desde el primero hasta el  último tema debían tener una cohesión entre sí. Townshend, el principal compositor de la banda,  creó a partir de este género el álbum Tommy (1969), en donde expone el abuso infantil. Una de las mejores obras de la banda.

Ya, en la canción A quick one while he’s away, del disco A Quick One de 1966, Townshend mostró interés por la ópera rock, y compuso este tema de nueve minutos donde narra historias de engaños amorosos y reconciliaciones.

Con canciones  como Substitute (single 1966), The kid’s are alright (My Generation 1965), I can see for miles (The Who sell out 1967), Behind blue eyes, Won’t get fooled again (Who’s next 1971), Who are you (Who are you 1978), entre tantas otras,  lograron forjar una identidad como grupo que hasta el día de hoy perdura .

Hace 46 años que The Who enloqueció a  una generación entera con su música, y  a pesar de la muerte de Keith Moon en 1979 por una sobredosis de pastillas, y  la de John Entwistle por un paro cardíaco en 2002, el grupo sigue vigente y demostrando porque merecen el prestigio que tienen .

La Cremè de la música

Por: Magdalena Bombig

Un trío que supo fusionar blues, jazz y rock, junto a la psicodelia que caracterizaba a la década del ’60, y convertirlo en algo trascendental. Muchos opinan, pienso que con razón, que fue un grupo adelantado a su época, ya que fueron los primeros en atreverse a unir estos tres géneros musicales, lo que generó un resultado único y exquisito.

Desde la excelencia en la guitarra de Eric Clapton, a quien los ingleses bautizaron como el Dios de la guitarra, la magnífica voz de Jack Bruce, quien además se atrevió a experimentar con el bajo y logró genialidades como la base de la canción “Sunshine of your love”, hasta el jazz que Ginger Baker complementaba con la batería.  Este grupo inglés fue, decididamente, la musa de grandes músicos como Led Zeppelin y Deep Purple; y vale destacar que el inigualable Jimi Hendrix era admirador de Clapton, y sólo viajó hasta Londres, en 1966, para poder conocerlo.  Luego, terminó tocando con la banda y dejó sin habla a todos los presentes con sus improvisaciones, fueron los comienzos de quien se convertiría en el mejor  guitarrista de todos los tiempos.

El nombre “Cream” se debe a que los tres artistas se consideraban los mejores, la crème de la música. En los conciertos competían para ver quién era mejor músico, tocaban solos larguísimos en busca de superar al otro.

Juntos, Bruce, Clapton y Baker llevaron más allá al género característico de los afroamericanos, lograron modernizarlo y acoplarlo con la psicodelia que invadía en esa época a Inglaterra.

En grandes temas como Toad (del disco Wheels of fire de 1968) se puede apreciar el talento de Ginger Baker como percusionista de jazz en un extenso sólo que vale la pena escuchar de principio a fin (dura aproximadamente 8 minutos).

En Tales of Brave Ulysses (del álbum Disraeli Gears de 1967) y Sleepy times times (de Fresh Cream de 1966) las destrezas que muestra Clapton con su Gibson son deleitantes.

En White Room (Wheels of fire) la fantástica voz de Bruce muestra todo su brillo, pero en Badge (de Goodbye d 1969) es donde revela su talento con el bajo, y la capacidad de hacer lo que sea con él.

Lamentablemente,  luego de sólo 3 años de carrera (1966 a 1969), el trío dinámico decidió separarse, dejando un corto legado, pero memorable y ejemplar.

Los Jinetes Psicodelicos

Por: Magdalena Bombig

Marcaron una nueva tendencia musical a mediados de la década del ’60. Lograron combinar rock y  blues con un agregado psicodélico, al que complementaron con letras filosóficas y poéticas.  Junto a un cantante que traspasaba todos los límites, con una voz inconfundible y una actitud que repudiaba a la autoridad, lograron instalarse dentro del salón de la fama del rock, al lado de grandes íconos como The Rolling Stones, The Beatles, Queen, The Who, entre otros.

The Doors, fue una de las bandas más completas en todos los sentidos, que marcó una época y a una generación.

Jim Morrison (cantante), poseía una personalidad rebelde y a la vez misteriosa que volcaba en todas las presentaciones de la banda. Dotado de una profunda, poderosa  y excepcional voz, logró darle vida a las letras de The Doors, que en gran parte, eran de su autoría, como: “Roadhouse Blues”, “Waiting for the sun”, “The end”, “Hello I love you”, “Break on through  (to the other side)”, entre muchas otras grandes obras.

“El Rey Lagarto” era un improvisador, alguien que innovaba todo el tiempo.  Esto, en varias ocasiones, lo metió en problemas con la ley. Como en el concierto que el grupo brindó en Miami en 1969, donde Jim, aparentemente, comenzó a masturbarse sobre el escenario. Lamentablemente, el 3 de julio de 1973 Morrison fue hallado por su novia, Pamela Courson, muerto en la bañera de su apartamento en París por un supuesto paro cardíaco, existen múltiples teorías referidas a su muerte, que todavía hoy, siguen en discusión.

Uno de los mejores tecladistas, en mi opinión, es Ray Manzarek, quien junto a Morrison, fueron el corazón del grupo. Las bases de la mayoría de las canciones provenían del Fender de Manzarek, y fue él quien le aportó el estilo psicodélico al conjunto estadounidense. Además, era él quien producía los sonidos del bajo en su Fender Rhodes, ya que la banda no contaba con un bajista. Sus aportes en el teclado fueron la esencia de The Doors.  En canciones como “Touch me”, “Spanish caravan”, “Love street”, “Alabama song”,”Light my fire”, entre otras, se puede apreciar  a este excelente músico.

Robby Krieger fue otra pieza fundamental para que The Doors se haya convertido en uno de los mejores grupos norteamericanos. El guitarrista fue el responsable de escribir algunas de las canciones más populares y trascendentales de la banda, como: “Light my fire”, “Touch me”, “Runnin’ blue”, “Love me two times”, “Love her madly”, “People are strange” (junto a Morrison) entre otras. Además, los aportes de Krieger con su Gibson le dieron un toque personal e innovador, si bien la guitarra no era el instrumento principal de la banda, supo dejar su marca y plasmar su talento en muchas de las canciones.

John Densmore estuvo a cargo de la batería. Fue el único miembro de la banda que se manifestó en contra de Morrison y su comportamiento turbulento. A pesar de esto, Densmore se conectaba perfectamente con el cantante y el resto de la banda de manera musical.

The Doors es, fue y será, a mi entender, uno de los grupos mejores grupos que existieron, y que a pesar de su disolución hoy siguen estando vigentes, como hace  45 años cuando Jim Morrison,  Ray Manzarek, Robbie Krieger y John Densmore  pensaron que sería buena idea tocar juntos.

Por: Magdalena Bombig

El Rey del Grunge

Por: Magdalena Bombig

Este post va dedicado a uno de los cantantes más influyentes de la historia del rock alternativo, al padre del grunge. Una estrella que no quería brillar, sin embargo, a 16 años de su muerte, su música sigue vigente en todos los que alguna vez lograron capturar el mensaje que este inusual artista grabó en la historia del rock.

Kurt Cobain siempre intentó reflejar sus sentimientos, pensamientos y tormentos en su música, sin importarle la repercusión que sus letras causaran y significaran para los demás. En el álbum In Útero de 1993 se encuentra una de las tantas canciones que Cobain escribió en contra del machismo: Very Ape. Principalmente Kurt relacionó este comportamiento con sus compañeros de escuela, y con su padre, con el que tuvo una relación terrible de pequeño. Este, trataba muy mal a Kurt porque no fue el hijo atleta que él deseó.“Estoy orgulloso de ser el rey analfabetismo, soy muy simio y muy lindo… lo he visto todo, llegue antes”, fragmento de Very Ape. Además, Territorial Pissings de Nevermind y Mr. Moustache de Bleach muestran el repudio del cantante hacia esta conducta.

Otro de los temas en los que el líder de Nirvana incursionó de una manera que generó una gran conmoción fue la violación. Con la famosa canción Polly, del disco más vendido y popular de la banda, Nevermind de 1991, donde relata una historia real sobre una niña de 14 años que fue secuestrada y violada, narrada desde los ojos del violador. Este tema fue chocante socialmente, ya que muchas personas, especialmente religiosos, creían que promulgaba la violación, algo que nunca quiso trasmitir Cobain, sino todo lo contrario.

Y como si esto fuera poco, en 1993 dentro del álbum In Útero, se encuentra la mucho más discutida Rape Me, en la que Kurt nuevamente ataca la violación desde un ángulo particular, ya que habla de un violador que luego de abusar de una chica va a la cárcel, donde allí él es violado. En palabras de Cobain es “una justicia poética”.

En los MTV Music Awards de 1992 se les prohibió tocar esta canción, por lo que la banda comenzó con una pequeña introducción de la misma para luego continuar con la acordada Lithium.

En Something in the way, último track de Nevermind, relata la experiencia de vivir bajo de un puente, algo que le tocó vivir en su adolescencia cuando su madre lo echó de su casa.

Una de las letras más revolucionarias de Nirvana es Smells Like Teen Spirt (Huele a espíritu adolescente). Existen varias versiones sobre el significado de esta canción, pero la banda en realidad no pretendía que esta tuviese algún sentido en particular, como expresó Kurt Cobain en una entrevista: “Lo que hice fue colocar pedazos de poesía, solo basura, y material que me encantaba en aquel entonces. Muchas veces escribo letras sólo en el último minuto porque soy muy perezoso, entonces no entiendo porque la gente intenta buscarle algún significado”.

En Lithium, perteneciente a Nevermind, intenta reflejar el sentimiento de las personas hacia Dios, cuando en un momento de desesperación encuentran la salvación en la religión, en la esperanza de poder creer que exíste algo o alguien por lo que vale la pena seguir adelante.

Lamentablemente, este estupendo artista no quiso seguir siendo parte de una industria musical que primeriaba los negocios a lo artístico, y se encontraba hastiado de una fama que nunca ambicionó, por eso el 5 de abril de 1994 decidió quitarse la vida y sólo dejar en existencia un legado que nunca pudo ser mejorado ni igualado.

Por: Magdalena Bombig

El quinto Beatle

Por: Magdalena Bombig “Dime, dime, dime la respuesta. Quizá seas una amante pero no sabes bailar, ¡Cuidado! Descontrol, Descontrol, Descontrol, ¡Cuidado! Porque aquí llega…” (“Helter Skelter”, The Beatles).

Cabello enmarañado, abundante barba y ojos perdidos; tal vez un hombre dolido y marcado por su infancia atroz, sin amor y contención, deseoso de realizar todos los pensamientos que lo atormentaban día a día.

La ambición de Charles Manson por ser un músico exitoso y reconocido comenzó a temprana edad, pero los delitos y las reiteradas visitas  a reformatorios y cárceles postergaron sus aspiraciones. Estuvo íntimamente ligado al mundo de la música. Era un fanático enfermizo  de Los Beatles, y su sueño era pertenecer a dicho grupo inglés.

Conoció a Dennis Wilson (baterista de los Beach Boys), quien formó parte de su clan, conocido como “La Familia”. Se vinculó además con el productor Terry Melcher, de quien esperaba que produjera su disco, algo que nunca sucedió. Gozaba manipulando a los demás. Sus ideas eran morbosas y sanguinarias.

No aceptaba el rechazo: era muy vengativo si no obtenía lo que deseaba de las personas. Uno de sus más conocidos crímenes fue el homicidio a la esposa de Roman Polansky, Sharon Tate, y de sus invitados. Esa misma noche, Manson y sus seguidores asesinaron también a la pareja  de Leno y Rosemary LaBianca, dejando como mensaje en la puerta de la heladera la leyenda “Helter Skelter”.

Dicha canción, del Álbum Blanco de Los Beatles fue la que inspiró en Manson tales crímenes. Él interpretaba que el tema era un anuncio del Apocalipsis: el hombre de raza negra alzaría una guerra contra los blancos aniquilando la estirpe totalmente. Según Manson, los únicos sobrevivientes serían él y sus seguidores, quienes se resguardarían en una ciudad subterránea de oro hasta que la inferioridad de la raza negra no pudiera seguir dominando laTierra. Entonces, se multiplicarían en número y dominarían el planeta, hasta que  Jesucristo volviera a reinar, secundado por cinco ángeles: John Lennon, Ringo Starr, Geoge Harrison, Paul McCartney y Charles W. Manson.