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Ventajas y desventajas del streaming, una de las opciones que más ha crecido a la hora de escuchar música sin tener que descargar discos.

 

Las nuevas tecnologías traen un sinfín de oportunidades y avances. Los beneficios son miles, pero no siempre satisfacen a todos. Los cambios son rápidos e innovadores, más si se dan dentro de internet, donde lo inmediato es oro. Desde hace bastante, la música forma parte de estas nuevas tendencias: son muchas las bandas que hoy en día eligen publicar su trabajo en línea, y eso seguramente se debe a que cada vez es más masivo el uso de internet para todo: compras de todo tipo, transacciones bancarias, pago de cuentas, etc. En fin, internet arrasa con todo, y la música lo acompaña.

El streaming, esta forma de escuchar música online gratis sin tener que bajarla, está dejando un poco de lado a las descargas de discos para transformarse en la nueva forma de obtener música. ¿Más fácil? Sí. ¿Legal? También. ¿Satisfactorio? Depende… Para los que les molesta acumular archivos y llenar el disco duro de la computadora con música, ésta es una opción más que válida, ya que escuchan lo que tienen ganas desde la página que elijan y listo; pero para los que creen que un disco es algo invaluable, esto por ahí sirve para conocer nuevos artistas, pero no sacia la necesidad de poseer lo que más les gusta.

¿Dumbo?, no, Mr. Tembo, el pequeño elefante que enamoró a Damon Albarn.

El incansable Damon Albarn tiene nuevo video. Se trata de “Mr Tembo”, tema que se encuentra en su reciente debut como solista, “Everyday Robots”.

El video fue filmado en la iglesia pentecostal “City Mission”, ubicada en el barrio londinense Leytonstone. En el mismo se puede ver a Damon junto a su banda, The Heavy Seas, y al coro de la congregación interpretando la canción, mientras imágenes de “Mr Tembo”, el elefante al que Albarn dedicó el tema, son reproducidas en un antiguo televisor.

La historia sobre este tema en particular es especial, como el cantante de Blur explicó en una entrevista, durante un viaje que realizó por Tanzania conoció a un pequeño elefante que había quedado huérfano y se encontraba en un área de protección para animales que unos amigos suyos llevaban adelante, en Mkomazi, al noroeste del país africano. Tembo, como le llamaron los nativos ya que esto significa “elefante” en Swahili, idioma de la región, capturó la atención del intérprete británico instantáneamente, tan así fue que, que la canción se la compuso en el momento en que se encontraba en la reserva,.La grabó con lo único que tenía a mano, un ukelele y su celular. Damon además contó que el tema no tenía intensión de ser parte de su último trabajo, pero que cuando se lo envió al productor del mismo, Richard Russel, este lo animó a que lo grabara y lo incluyera en su LP debut.

Pero esta historia no son sólo suspiros y arranques de ternura, ya que también cuenta con su lado divertido. Damon explicó que cuando este comenzó a cantarle su canción a Mr Tembo, el pequeño elefante primero lo observó, luego lo olfateó, y acto seguido, comenzó a defecar. “Si te soy sincero, cuando se la canté, se cagó. Era excremento blanco de cachorro de elefante, imaginatelo. Tiene su gracia si lo vives de cerca”, narró en una entrevista para Rolling Stone.            

Damon no es el único artista que dedicó una canción a los animales: desde Ian Anderson, líder de Jethro Tull, quien dedicó un tema a la defensa de los gatos, titulado “Old Black Cat”;  el gran Freddy Mercury también dedicó una canción a su gata, “Delilah”; Paul McCartney escribió “Martha My Dear”, tema perteneciente al “White Album”,  para su perra, una pastora inglesa del mismo nombre; Robert Plant incluyó en el álbum “Led Zeppelin III” la canción “’Bron-Y-Aur Stomp’ dedicada a su perro Strider; “Black Dog”, también de Led Zeppelin, fue inspirada en un labrador que acompañó a la banda durante la grabación de su álbum “Led Zeppelin IV”; la canción “Lucifer Sam”, del primer disco de Pink Floyd, “The Piper at the Gates of Dawn”, fue compuesta por Syd Barrett y habla sobre un gato siamés del mismo nombre; e incluso Michael Jackson, de pequeño, dedicó un tema a su mascota, un pequeño ratón llamado “Ben”.

Sin más vueltas, acá está el lindo track “Mr Tembo”.

Jack White y Neil Young crearon historia en el «Tonight Show»

Jack White lo hizo otra vez. Junto a la leyenda, Neil Young, hicieron historia, y grabaron un tema en vivo, que instantáneamente quedó plasmado en formato de  vinilo. Esto sucedió en el programa del ex SNL Jimmy Fallon, “The Tonight Show”.

Si algo tiene el ex guitarrista de The White Stripes, es que no deja de batir records. ¿Qué es lo que  planeó el hombre maravilla en esta ocasión?,  llamó a su amigo Neil Young y le propuso grabar y editar en vinilo un tema en vivo por televisión, la canción elegida fue “Crazy”, un cover de Willie Nelson que Young grabó en su último LP “A letter home”.  ¿Cómo lograron esto?, con la famosa cabina de grabación “The Third Man Record Booth” que Jack abrió al público a mediados del año pasado en los estudios de Third Man Records. Esta máquina, que data del año 1947,  es capaz de grabar casi 2 minutos de audio e inmediatamente lo pasa a vinilo. La cabina fue puesta a disposición de quien quisiera probar su música en ella, el pasado 20 de abril del 2013 por la celebración del Record Store Day.

Antes de crear historia juntos, Neil y Jack charlaron con el conductor del Tonight Show, y entre risas y anécdotas, contaron que el más reciente trabajo de Young  (producido por White), un disco de covers que fue lanzado a principios de este año, surgió gracias a un fan que tocó un tema de Neil dentro de la cabina el día del Record Store Day, Young se encontraba detrás de la misma y escuchó al chico, entonces quiso probar  la grabadora. Entonces,  al salir de allí pensó que podría hacer un disco entero en ella, pero no con temas propios, sino que, al igual que el chico, quiso probar con canciones de artistas que admira y  lo inspiraron en su carrera, como Willie Nelson, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Gordon Lightfoot’s (“If you could read my mind”) en la entrevista Jack White reveló que esta es su versión favorita del disco), entre otros. Es decir, el LP de Young fue grabado enteramente en la Voice-o-Graph de Jack White, que vale destacar es la única de su tipo en el mundo, ya que fueron descontinuadas en 1960.

Además, Neil volvió al escenario e interpretó otro tema de su último álbum, “Since I met you baby”, originalmente de Ivory Joe Hunter. Al finalizar el programa, el producto final fue repartido a los presentes, y luego Jimmy Fallon posteó una foto del EP terminado en su cuenta de twitter.

Esto podría sorprender a cualquiera que no sigue las últimas hazañas de Jack White, ya que  hace muy poco impuso un Record Guinness, al grabar, producir y lanzar el disco más rápido de la historia. El EP se produjo en 3 horas 55 minutos y 22 segundos, y el mismo contiene dos temas: “Lazaretto”, segundo single de su álbum homónimo todavía no lanzado,  y “Power of my love”, un cover de Elvis Presley. Esto se llevó cabo en los estudios de Third Man Records, más específicamente en la Blue Room, ya que este lugar es el único en el mundo en donde los artistas pueden grabar sesiones en vivo, y que las mismas queden impresas directamente en vinilo. Además,  quienes pudieron presenciar este espectáculo histórico tuvieron la suerte de que el show no acabó en la segunda canción, ya que Jack se copó y tocó temas de The White Stripes (“Dead leaves and the dirty ground”, “Ball and biscuit” y “Hotel Yorba”), también  de su LP debut como solista “Blunderbuss” (“Freedom at 21”, “Weep Themselves to Sleep” y “Love Interruption”),  y tres temas nuevos que estarán en su próximo disco, “Lazaretto” ( “Three Women”, “Just one drink” y “Would You Fight For My Love”).

Y para los insaciables, esto no es todo. Ya que falta el lanzamiento del tan esperado segundo disco solista de Jack White, que se programó para el próximo 9 de junio, ¡SI, MENOS DE UN MES Y TRES DÍAS ANTES DE QUE EMPIECE EL MUNDIAL! El mismo será editado de forma ilimitada, en formato de vinilo de 7’’, y estará disponible en la página oficial de Third Man Records.

Así que a prepararse, porque junio se viene con todo.

Jack White: «Lazaretto»

 Es difícil hablar de un disco de Jack White, ya que al ser un artista tan completo,que cuesta pensar en que plasmar con palabras lo que su trabajo significa.

Como siempre, todo trabajo de White es impecable, y este disco (su segundo LP solista) no es la excepción. Un disco muy bien logrado, pero que no deja de recordar a su trabajo anterior, “Blunderbuss”. Comienza con “Three Women”, una canción blusera por naturaleza, con mucho piano y bien arriba. La sigue “Lazaretto”, quizás una de las canciones más rockeras, por supuesto con la esencia del blues presente, donde Jack White vuelve a demostrar que se puede componer un hit de buena calidad.  Con “Temporary Ground” baja el tono, una balada que parece ser un poco de relleno.

En “Would you fight for my love” muestra un blues teatral que atrapa, junto con un dramatismo único.  Durante todo el tema se exploran diferentes sonidos, y diferentes facetas en la voz de White, lo que convierte a la canción es una hermosa especie de orquesta. “High Ball Stepper” (el primer sencillo del disco), es un tema instrumental donde White nos mantiene enganchados con sus conocidos riffs desgarradores mezclados con sonidos electrónicos, y donde sigue demostrando porque es uno de los mejores guitarristas de la modernidad. Uno de las mejores composiciones del disco.

“Just one drink”, un tema bien blusero, que sigue un mismo camino durante toda su duración.  “That Black Bat Licorice” vuelve a donde comenzó, es blues rítmico del principio del disco. Un tema que se podría ubicar perfectamente en una película de Quentin Tarantino.

“I Think I Found The Culprit”, es una canción que podría haber sido parte de «Blunderbuss», y que al oirla recuerda un poco a “Take me with you when you go” de ese disco.  El piano es el gran protagonista en esta pieza. Finalmente, “Want and able”, una balada muy sencilla, cierra un disco bien prolífico.

Es un disco que cuando comienza entusiasma, pero a medida que avanza va perdiendo esa concentración con la que  atrapa en los primeros temas. Tiene más pros que contras, muestra el artista en el que Jack White se está transformando, al que aspira ser desde su primer álbum solista, uno más atrapante. De todas formas, es una obra inmensamente destacada, a la que hay que darle muchas oportunidades, porque Jack White nunca decepciona.

Interpol: “El pintor”.

El quinto LP de los neoyorkinos, es un trabajo que definitivamente valió sus 4 años de espera, y que reivindica al grupo ante sus más fervientes fanáticos, que tanto anhelaban algo del viejo Interpol, el de “Turn on the bright lights” (2002). Este disco roza un poco a lo que fue su gran disco debut, pero renovado, con un sonido diferente pero a la vez familiar.

“El pintor”, se abre camino con “All the rage back home”, tema que Banks compuso en Buenos Aires en 2011 durante la última gira del grupo, mientras observaba la ciudad desde su balcón. Una canción pegadiza, que comienza lenta, pero de repente te hace mover con un cambio de ritmo que se mantiene durante todo el track.

Se comienza a percibir, mientras el disco avanza, ese sonido característico del otro lado del charco: bien británico, pero sin dejar de lado la melancolía  característica de la banda. En “Anywhere”, se ve a ese Interpol de antes, un tema bien arriba donde las guitarras y el ritmo acompañan a crear un clima similar a sus raíces, a esa banda de  “Obstacle 1”. Sucede lo mismo con “My blue supreme”, ya que es una canción de esas oscuras y dinámicas propias del grupo.

El punto culmine del disco llega con “Everything is wrong”, uno de los mejores temas del álbum. Se siente ese sonido soñador, rítmico y explosivo al mismo tiempo, un hit por donde se lo mire. La sigue la también increíble “Breaker 1”, otra de esas canciones que pueden convertirse en himnos del disco, por sus guitarras que dominan y por los cambios de ritmo que pasan de una profunda tristeza, a una explosión épica.  “Ancient Way”, es una buena manera de continuar subiendo un poco el volumen.

Y una gran forma de darle un final a este LP que comienza tan arriba es con “Twice as hard”, tal vez el tema más sombrío. Se puede percibir el dolor desgarrador en la voz de Banks. El cierre perfecto para un disco glorioso.

Lo que el olvido no se llevó

Aunque este es un blog dedicado a la música, quiero hacer un recordatorio sobre una breve parte de este período atroz que atravesó Argentina entre 1976 y 1983.

Para que no olvidemos a los que lucharon por un país libre y sin represión.

Para que NUNCA MÁS se repita.

Por: Magdalena Bombig

«La memoria despierta para herir a los pueblos dormidos que no la dejan vivir libre cono el viento» León Gieco, «La Memoria«

Hace 38 años un grupo de mujeres desesperadas por conocer el paradero de sus hijos, secuestrados durante la última y más cruel dictadura militar de la historia argentina, creó lo que hoy se conoce como Madres de Plaza de Mayo. Esta organización tuvo el fin de localizar a sus familiares que habían sido arrancados de su libertad sólo por pensar diferente. Hasta el día de hoy sigue la lucha de estas mujeres, de estos ejemplos de personas que no bajan los brazos y siguen batallando contra el genocidio que les tocó sufrir a miles de argentinos durante seis años.

Entre el 8 y el 10 de diciembre de 1977 un grupo comando liderado por el represor Alfredo Astiz secuestró a 12 personas que formaban parte de una agrupación que luchaba por los derechos humanos en busca de sus familiares desaparecidos, en la Iglesia Santa Cruz. Astiz logró este cometido ya que se infiltró en el lugar bajo el nombre de Gustavo Niño, e inventó que deseaba dar con el paradero de su hermano que se encontraba preso clandestinamente. El déspota se había ganado la confianza de todos, con la intención de obtener la información necesaria para saber quien significaba un peligro para «el proceso de reorganización nacional» y así eliminarlos.

Las víctimas del «ángel de la muerte» fueron marcadas con un beso en la mejilla, y fueron 12 : Azucena Villaflor de Vicenti (fundadora de Madres de Plaza de Mayo), Esther Ballestrino de Careaga, María Ponce de Bianco (integrantes de Madres de Plaza de Mayo), las monjas francesas Alice Domon y Léonie Duquet, y los activistas de derechos humanos Ángela Auad, Remo Berardo, Horacio Elbert, José Julio Fondevilla, Eduardo Gabriel Horane, Raquel Bulit y Patricia Oviedo.
En una entrevista publicada en Página 12 en 1998 a Alfredo Astiz, el genocida no muestra remordimientos ni lamentos: «Yo no las traicioné, porque no era uno de ellas y me di vuelta. Yo lo que hice fue infiltrarme, y eso es lo que no me perdonan. Cuando me acusan de otras cosas me enojo, pero de eso me río».

Además, la periodista Gabriela Cerruti le preguntó si no sintió asco de pensar que traicionó a un grupo de madres que pedían por sus hijos, a lo que Astiz respondió: «Eran montoneras. Yo respeto a los que piden por sus hijos desaparecidos, pero las Madres lo usan para comerciar, por dinero o por política».

Las personas marcadas por Aztis fueron torturadas y asesinadas en uno de los famosos vuelos de la muerte. En estos, arrojaban a las víctimas al mar atados a una gran roca que hiciera de peso para que se ahogaran vivos. Algunos de los cuerpos fueron encontrados en 1977, en las orillas del mar entre Santa Teresita y Mar del Tuyú, pero fueron enterrados como NN en el cementerio de General Lavalle. En 2005 se dieron a conocer luego de investigaciones forenses, que seis de las personas enterradas sin identificación eran  María Ponce de Bianco, Esther Careaga, Alice Domon, Léonie Duquet, Ángela Auad y Azucena Villaflor. Todas se encuentran enterradas en el patio de la iglesia, menos Villaflor, ya que sus cenizas fueron esparcidas por toda la Plaza de Mayo.

Esta guerra declarada por los militares en contra de su propia bandera sigue dejando sus secuelas. Tal es el caso de Julio López quien fue secuestrado y torturado durante la dictadura, liberado, y actualmente desaparecido nuevamente luego de declarar en un juicio en contra del represor y ex Director de Investigaciones de la Provincia de Buenos Aires, Miguel Etchecolatz, en 2006. Por eso, el intento de sanar una herida abierta hace 39 años a nuestro país sigue vigente.

Desde Inglaterra hasta el Ártico

Por: Magdalena Bombig

Explosivos, energéticos, inconfundibles. Son algunos de los adjetivos para describir a otra exelente banda proveniente de las Islas Británicas, en donde, al parecer, no dejan de surgir ejemplos de buena música.
Arctic Monkeys es uno de los grupos que se hizo escuchar por una generación invadida por el pop. Supieron recrear rock del bueno, como el de antes, ese que parecía haber quedado en el olvido cuando una ola de artistas como Beyonce, Britney Spears, N’ Sync, entre otros, dominaban los mercados con sus coreografías y sus temas pegadizos.

Junto a los estadounidenses de The Strokes, volvieron a despertar la verdadera escencia de la música. Le agregaron un estilo fresco y despreocupado al nuevo ambiente musical. Con canciones como Fakes tales of San Francisco, When the sun goes down, I bet you look good on the dance floor, Leave before lights come on, You probably couldn’t see for the lights but you were looking straight al me, Teddy Picker, Brianstorm, Fluorescent Adolecent, incluídas en sus primeros albums de estudio Watever people say I am that’s what I’m not (2006) y Fauvorite Worst Nightmare(2007), son muestra del talento y la consistencia de la banda.

Con Alex Turner como cantante principal, guitarrista y compositor, Matt Helders en la batería, Jamie Cook guitarrista principal y Nick O’Malley en el bajo, el grupo creó música innovadora haciendo honor a sus raíces inglesas.
En su tercer y último disco, Humbug (2009), el sonido de la banda se tornó más oscuro. Ya, sin el detonante característico de sus dos trabajos anteriores, el nuevo album posee canciones más maduras y menos electrizantes. Entre ellas se destacan My Propeller, Crying Lighting, Dance Little Liar y Cornestore; y son la evidencia de que a pesar de que bajaron un poco el volumen siguen generando música diga de disfrutar.

Musicalmente hablando…

Por: Magdalena Bombig

Este pequeño post va dedicado a una de mis series favoritas de la actualidad, Skins . Este éxito inglés, que va camino a su quinta temporada, supo crear un vínculo especial con el televidente mediante la conexión que se puede ver entre los personajes, de la primera y la segunda generación, junto con la música. Cada canción, sea del género que sea, se relaciona con las adversidades (drogas, homoxesualidad, muerte, transtornos alimenticios, etc) que este grupo de adolescentes tienen que afrontar día a día.

En momentos de gran relevancia a veces no son necesarios largos diálogos ni distintas tomas, con un tema que sepa reflejar la situación y los sentimientos de los protagonístas alcanza, y en este suceso televisivo esto se convirtió en una constumbre, en algo característico.
La música además de deleitarnos, entretenernos, contarnos historias y  acompañarnos en incontables momentos de nuestras vidas, nos ayuda a entender y apreciar situaciones, emociones y sentimientos que extraños buscan expresar, y creo que el que tenga la oportunidad de ver y disfrutar Skins va a poder descubrir esto.

Acá les dejo el video de una de las tantas canciones participes de la serie, pero me quedo con esta por el significado que tiene dentro de ella, pricipalmente en la primer temporada.

The Who: la nueva generación

Por: Magdalena Bombig

Una de las bandas más influyentes del rock. Con su particular estilo hicieron gritar a una generación reprimida y menospreciada. Si digo que The Who fue y seguirá siendo uno de los mejores grupos ingleses de todos los tiempos, creo que pocos van a estar en desacuerdo.  Con la poderosa voz de Roger Daltrey, el enérgico bajo de John Entwistle, los rasposos acordes y las innovadoras composiciones de Pete Townshend, mas la personalidad rebelde y estrepitosa de Keith Moon en la batería, crearon un conjunto de talentos que no se asustó de nada ni nadie.

The Who le dio al rock una actitud más escandalosa y una adrenalina nunca antes vista. Una de las primeras bandas en duplicar los compases de la guitarra para crear un nuevo sonido. En la canción My Generation volcaron toda su frustración y disconformidad hacia una sociedad dormida y conformista,  y lograron hacerse escuchar por una gran ola hippie que invadía la época en busca de paz y el amor.

Pero la banda se encontraba lejos de la ideología pacifista que irrumpía en los ’60. Se identificaron por ser muy destructivos en sus conciertos, el pionero fue Townshend con su guitarra, enseguida se le unieron Moon, destruyendo su batería, y Daltrey emitiendo una actitud de descontrol;  mientras que Entwistle se quedaba a un lado con su bajo sin participar.

Más adelante, el grupo incursionó en un nuevo estilo musical muy poco conocido llamado ópera rock. Este consistía en relatar una historia a través de todo el disco. Desde el primero hasta el  último tema debían tener una cohesión entre sí. Townshend, el principal compositor de la banda,  creó a partir de este género el álbum Tommy (1969), en donde expone el abuso infantil. Una de las mejores obras de la banda.

Ya, en la canción A quick one while he’s away, del disco A Quick One de 1966, Townshend mostró interés por la ópera rock, y compuso este tema de nueve minutos donde narra historias de engaños amorosos y reconciliaciones.

Con canciones  como Substitute (single 1966), The kid’s are alright (My Generation 1965), I can see for miles (The Who sell out 1967), Behind blue eyes, Won’t get fooled again (Who’s next 1971), Who are you (Who are you 1978), entre tantas otras,  lograron forjar una identidad como grupo que hasta el día de hoy perdura .

Hace 46 años que The Who enloqueció a  una generación entera con su música, y  a pesar de la muerte de Keith Moon en 1979 por una sobredosis de pastillas, y  la de John Entwistle por un paro cardíaco en 2002, el grupo sigue vigente y demostrando porque merecen el prestigio que tienen .

La Cremè de la música

Por: Magdalena Bombig

Un trío que supo fusionar blues, jazz y rock, junto a la psicodelia que caracterizaba a la década del ’60, y convertirlo en algo trascendental. Muchos opinan, pienso que con razón, que fue un grupo adelantado a su época, ya que fueron los primeros en atreverse a unir estos tres géneros musicales, lo que generó un resultado único y exquisito.

Desde la excelencia en la guitarra de Eric Clapton, a quien los ingleses bautizaron como el Dios de la guitarra, la magnífica voz de Jack Bruce, quien además se atrevió a experimentar con el bajo y logró genialidades como la base de la canción “Sunshine of your love”, hasta el jazz que Ginger Baker complementaba con la batería.  Este grupo inglés fue, decididamente, la musa de grandes músicos como Led Zeppelin y Deep Purple; y vale destacar que el inigualable Jimi Hendrix era admirador de Clapton, y sólo viajó hasta Londres, en 1966, para poder conocerlo.  Luego, terminó tocando con la banda y dejó sin habla a todos los presentes con sus improvisaciones, fueron los comienzos de quien se convertiría en el mejor  guitarrista de todos los tiempos.

El nombre “Cream” se debe a que los tres artistas se consideraban los mejores, la crème de la música. En los conciertos competían para ver quién era mejor músico, tocaban solos larguísimos en busca de superar al otro.

Juntos, Bruce, Clapton y Baker llevaron más allá al género característico de los afroamericanos, lograron modernizarlo y acoplarlo con la psicodelia que invadía en esa época a Inglaterra.

En grandes temas como Toad (del disco Wheels of fire de 1968) se puede apreciar el talento de Ginger Baker como percusionista de jazz en un extenso sólo que vale la pena escuchar de principio a fin (dura aproximadamente 8 minutos).

En Tales of Brave Ulysses (del álbum Disraeli Gears de 1967) y Sleepy times times (de Fresh Cream de 1966) las destrezas que muestra Clapton con su Gibson son deleitantes.

En White Room (Wheels of fire) la fantástica voz de Bruce muestra todo su brillo, pero en Badge (de Goodbye d 1969) es donde revela su talento con el bajo, y la capacidad de hacer lo que sea con él.

Lamentablemente,  luego de sólo 3 años de carrera (1966 a 1969), el trío dinámico decidió separarse, dejando un corto legado, pero memorable y ejemplar.